Описание
Ахметгалиева Таня
Алексеева Марина
Бегальская Вика / Вилкин Александр
Белый Петр
Богомолов Глеб
Челушкин Кирилл
crocodilePOWER
Губанова Елена / Говорков Иван
Ган Алексей
Горшков Иван
Грецкий Дмитрий / Кац Евгения
Мякиля Ярмо
Казаков Борис
Козин Владимир
Кустов Владимир
Майофис Григорий
Маракулина Ася
Морозов Александр
Мотолянец Семен
Парщиков Тим
Пушницкий Виталий
Рагимов Керим
Рудьев Андрей
Цыкалов Дмитрий
Зубарева Надя
Кошенкова Мария
Нибиру Лера
Деникин Сергей
Карпов Иван
ОБЪЕДИНЕНИЕ PARAZIT.
Видео

Книга-исследование выпущена к 20-летию Marina Gisich Gallery и посвящена уникальному кругу коллекционеров и художников, сложившемуся вокруг галереи за эти два десятилетия. 

Что значит «быть с искусством» в наше время: стиль жизни, образ мышления или просто будничный быт? Что движет коллекционером: психология потребителя, азарт, страсть, любовь? Как художник понимает жизнь с искусством? 

Ответы на эти и другие вопросы мы попытались найти в личных историях и размышлениях каждого героя, который по той или иной причине однажды впустил искусство в свою жизнь. Книга включает 54 интервью с коллекционерами из России, Германии, Испании, Швейцарии, США и других стран. А также: 36 манифестов-монологов художников галереи и архив галереи за 20 лет. 

Название отсылает к каноническому тексту британских художников-авангардистов Гилберта и Джорджа “To Be With Art is All We Ask” (1970), которому в 2020 году исполнилось 50 лет. В книге текст манифеста впервые публикуется на русском языке.

 

--

Под редакцией Елены Юшиной

Координатор проекта: Галина Леонтьева

Графический дизайн и вёрстка:

Faro Design Studio

Ирина Чекмарёва, Андрей Шелютто, Арина Облакова

Выпускающий редактор: Андрей Бауман 

Редакторы: Дарья Брылевская, Ольга Ульянова, Елизавета Южакова

Корректоры: Андрей Бауман, Бен Хусон 

Бильдредактор: Галина Леонтьева

Перевод на русский: Ольга Ульянова, Елена Сон 

Перевод на английский: Бен Хусон, Саймон Паттерсон, Аластейр Гилл, Томас Кэмпбелл

 

Издатель: Автономная некоммерческая организация по развитию искусства и культуры «Свободные художники» (АНО «СХ»)

при поддержке Логистической группы «Адмирал»

 

 

Таня Ахметгалиева (род. 1983, Кемерово) работает в области графики, живописи и в жанрах видео и инсталляции. Узнаваемый художественный почерк Тани Ахметгалиевой – масштабные текстильные инсталляции. С точки зрения художника, сама идея нити обладает весьма широким спектром смысловых значений. Она задействует текстиль как возможность показать связи, отношения, возникающие между людьми, их внутреннее представление о себе.


В своих инсталляциях, художник вышивает, вывязывает, вытягивает нити, соединяя своих персонажей. Нити олицетворяют для нее слова и мысли, переходящие от одного персонажа к другому, и переводят плоское изображение в трехмерное пространство.  

Марина Алексеева (род. в 1959, Ленинград). С 1991 г. работает в жанре камерной инсталляции. В небольших ящичках Алексеева собирает образцовые интерьеры общественных зданий и частных жилищ – своего рода концентраты окружающей среды.

Постоянно возрастающий успех этих «Lifeboxes» объясняется тем, что работы М. Алексеевой связаны сразу с несколькими сторонами нашего художественного и житейского опыта. Они не только «встроены» в самоописание актуального искусства, но и соединяют культурную традицию со свежими обычаями наших дней. Прежде всего, художник включает одну из важнейших функций, позволяющих делать современную жизнь привлекательной: она превращает стандартизацию в поле для игры.

В лайтбоксах М. Алексеевой всегда происходит преображение стандарта. Любой предмет на своем обычном месте здесь может неожиданно продемонстрировать свободу от стереотипов поведения и восприятия. Автор следует природе не в увеличении версий одного и того же как разного, а в разработке мимикрии, живого оборотничества мира. Превосходная степень искусства в «Lifeboxes» обеспечена способностью художника смотреть на вещи нетрадиционно и видеть в них главное – новые образы.

 

По материалам статьи Екатерины Андреевой (отдел новейших течений Государственного Русского Музея)

Вика Бегальская (род. в 1975, Днепропетровск, Украина) и Александр Вилкин (род. в 1982, Снежинск, Челябинская обл.) работают в творческом тандеме с 2014 года. На момент начала совместной работы оба автора уже были известными, сформировавшимися художниками, каждый – со своим творческим методом и бэкграундом.

Вика Бегальская закончила Харьковскую государственную академию дизайна и искусств. С 2001 г. живет и работает в Москве. Известна феминистскими проектами. Со-основатель художественной платформы «Феминистская кухня». Помимо основного медиа – живописи, также работает с видео и перформансом.

Александр Вилкин окончил Челябинское художественное училище, Северо-западный институт печати и книжной графики, а также Институт Современного Искусства «БАЗА». В 2006 г. совместно с Игорем Межерицким и Григорием Ющенко основал арт-группировку «Протез» в Санкт-Петербурге. Также, с 2006 г. - участник творческого объединения «Паразит» (Санкт-Петербург). С 2014 г. живет и работает в Москве.

Один из наиболее ярких проектов Бегальской и Вилкина – кукольный спектакль «Пояс Афродиты» (в составе творческого союза «Тереза»), вошёл в шорт-лист государственной премии «Инновация» в 2015 г., в номинации «Произведение визуального искусства». В 2017 г. спектакль был показан и стал частью коллекции M HKA (Антверпен).

Художники создают свой поэтический мир. Причём в этом мире происходит уравнивание очень разных персонажей, даже неодушевленных. Рыцарь-насекомое, цветочек, просто фактура на холсте вдруг взрывается, или странно одетый персонаж соседствует с какой-то полуабстрактной живописью. Происходит тотальное смешивание всего, деантропоморфизация, отказ от антропоцентричности, все уравнивается настолько, что иногда герои проваливаются внутрь картины. Поэтическая составляющая делает возможным такое сочетание несочетаемого.

Картина вечного возвращения, цветения и умирания живописи, уподобленной раффлезии – было главной идеей проекта «Раффлезианство», прошедшего в Marina Gisich Gallery в 2016 году. Развитие этой темы прослеживается и в последующих живописных работах авторов.


«Перенасыщенность и густота живописной ткани работ, наплывание образов, их томная чувственная природа отсылает к эстетике Гринуэя, любящего задействовать в одном кадре богатый подбор визуальных ассоциаций, за которыми прочитываются реплики и цитаты разных живописных произведений. Авторы тоже играют в цитаты, составляя прихотливый пасьянс бразов, сюжетов, мотивов, «играя в классики».

Пышные одежды, в которых рядится эта живопись, призваны заманить зрителя, сыграть с ним в угадайку, сделать невольным вуайером, смутно догадывающимся о происходящим перед его взором. Маневр, неожиданно предпринятый авторами, остающимися верными избранным сюжетам, мотивам и темам, кажется рискованным».

<…>

«Череда морфологических уподоблений и трансформаций позволяет трактовать изображенные фигуры как один большой организм, находящийся в процессе роста, агглютинации, деления, разложения и смерти. За кокетливой эфемерностью субтильной живописи проступают кровожадные, инфернальные и порнографичные видения, как на старой поблекшей фотографии неожиданно фиксируются следы происходящего преступления. В самом названии проекта есть отсылка к Рабле – раффлезианство/раблезианство. Мясное, плотское начало и прихотливая игра ума, где сальная шутка коннотирует учености, а остроумие обнаруживает себя в низвержении слов, колыхании тучных тел, в пиршестве плоти».

(Глеб Ершов)


Пётр Белый – российский художник, родился в 1971 году в Санкт-Петербурге (Ленинграде).

Работает главным образом в области инсталляции (а также сайт-специфик) и объекта.

Раннее творчество связано с графикой.  С 1999 г. — действительный Член Королевского Общества Граверов (Великобритания).

В инсталляциях 2003-2008 гг. развивал концепцию так называемого «мемориального моделирования», где художник обращался к определенным моделям, в основном архитектурным («Щ854» (2005), «Опасная зона» (2006), «Библиотека Пиноккио» (2008) и другие).  

«<…> «мемориальное моделирование» Петра Белого направлено не в будущее, а в прошлое. В этом и заключается парадокс: моделирование обращено назад. Мемориальное моделирование пересматривает историю, деконструирует ее, смотрит на нее, уже зная обреченность ее надежд и неотвратимость разочарований. Моделирование, ассоциирующееся с идеей прогресса, обращено у Петра Белого в прошлое». (Олеся Туркина, Виктор Мазин, 2008 г.)

В произведениях последующих лет автор продолжает тему эстетизации глобальной печали, деструкции, разрушения.

«Особый внутренний план монументальной пропаганды, условно обозначающий наше поколение, появившееся на свет на закате советской эпохи, впитавшее в себя пластику этого крушения, сознательно или неосознанно поэтизирует деструкцию и упадок. В моем случае, вневременный, отстраненный взгляд, игра с материалом, смятая бумажка из металла, жидкость из ДСП фиксируют статус, а главное, форму предмета, придавая постоянное значение временному. Меня часто обвиняют в аполитичности, формализме (А. Ерофеев), отсутствии связи с проблемами современности. Обращенность в прошлое я рассматриваю как своего рода актуальность, не менее полезную в социальном смысле, чем политическое искусство прямого действия. Движение спиной вперед - все равно есть движение, и старомодная любовь к поиску красивой формы во всем, отделяющая форму от содержания, здесь - сознательная позиция. С одной стороны, скульптура, с другой - смятая бочка, символ глобализации, мусор; проехали и забыли, а бочка осталась». (Петр Белый, 2013)

Петр Белый также известен как куратор, основатель исследовательского некоммерческого проекта «ЛЮДА» (независимое арт-пространство, с 2008 г. представляющее актуальное искусство из регионов России и разных стран). Его кураторская практика сконцентрирована главным образом на архивах и исследовании независимого современного искусства в России и по всему миру, поиск новых, ранее неизвестных авторов, а также художественных сообществ.

Среди ярких кураторских проектов: выставка «Товарищество Новые Тупые» в Московском Музее Современного Искусства (2016), Kunsthalle Zurich (2019) - получила особую отметку журнала ARTFORUM,  каталог выставки был внесен в список лучших публикаций ARTFORUM 2016.

В 2014 году совместно с Александром Теребениным получил премию «Инновация» за двухчастный проект «Сигнал», реализованный в здании бывшего засекреченного конструкторского бюро «Сигнал» на проспекте КИМа в Петербурге, в рамках неофициальной параллельной программы биеннале Manifesta 10. 



Глеб Богомолов (1933-2016, Санкт-Петербург) - один из значимых живописцев ленинградского (петербургского) андеграунда, активный участник ленинградской неофициальной культуры 1970-80-х гг., фигура, без которой невозможно представить себе художественную атмосферу города тех лет.

Он был в числе организаторов и участников первых выставок художников-нонконформистов в ДК им. Газа и «Невский» в 1974 и 1975 году. В 1980-х он уже являлся одним из значительных и востребованных живописцев ленинградского неофициального искусства. За последние 30 лет его художественное наследие все больше привлекает внимание искусствоведов, историков, коллекционеров. 

Глеб Сергеевич Богомолов родился в 1933 году в Ленинграде. Художественное образование получал в изостудии при Ленинградском Дворце пионеров имени А. А. Жданова, но по сути учителями художника стали В. Кандинский и М. Ларионов, М. Шагал, П. Филонов и П. Пикассо, а школой – Государственный Эрмитаж и Русский музей.

Член Санкт-Петербургской Академии современного искусства, лауреат Царскосельской премии 1997 года, на счету маэстро более 250-ти выставок в России и за рубежом, в том числе персональная выставка в Государственном Русском Музее (2005 год), а также выставки в Германии, Франции, Швейцарии, Норвегии, Швеции и США.

Работы Богомолова представлены в многочисленных коллекциях по всему миру, среди них: Государственный Русский музей, Государственная Третьяковская Галерея, Московский музей современного искусства, музей Циммерли в Нью-Джерси, коллекция Deutsche Bank и многие другие.

«Благодаря особливости, философичности, особой колористической ворожбе, за которой - тончайшая профессиональная культура, его искусство независимо от смены вкусов и моды. В его картинах соединены пассеизм и умение создавать свой собственный, вполне современный живописный мир. Мы зависим от всего, что было и есть, - эти слова мастера точно характеризуют не только его мировоззрение, но и творческую практику. Картины его редко бывают предметны, но в них проглядывают тонкие ассоциативные связи с материальным миром, скорее существующим в памяти, чем в реальности. В самой глубине его искусства - реминисценция с мозаиками Равенны, фресок средневековой Руси, тосканского Возрождения, но это не более чем отдалённое эхо. Боль сущего и непреходящая значительность искусства живёт в сумрачных его соцветиях, рождая ощущение трагедии, отступающей перед колдовской притягательностью его живописи».

Михаил Герман

(профессор, доктор искусствоведения, академик Академии гуманитарных наук, член Международной ассоциации художественных критиков (AICA), главный научный сотрудник Государственного Русского музея).

Кирилл Челушкин (род. в 1968, Абрамцево, Москва.) - больше всего известен как виртуозный рисовальщик. 

Нулевой, матричный, максимально примитивный, лишенный самой возможности развлечения или фокуса, простой, как мычание, язык рисунка. На холсте я работаю только по техническим причинам: бумага не выдерживает такого обращения и немедленно травмируется. В ход идут ножи и грубый наждак — в общем, бумага не подходит - говорит Кирилл о своем методе.

Участие во 2-й Московской биеннале поистине новаторской видеоскульптурой, которая стала одним из наиболее цитируемых в зарубежной прессе образов российского современного искусства, определило его карьеру художника международного масштаба. Его работы, как графические, так и объектные, находятся в ряде музейных и статусных частных собраний по всему миру, в том числе в крупнейшем частном собрании современного искусства Европы — коллекции Бернара Арно, владельца концерна LVMH.


CrocodilePOWER арт группа, основанная в 2011 году двумя российскими художниками: Петром Голощаповым (род. в 1982) и Оксаной Симатовой (род. в 1979). Художники создают собственную мифологию на грани фантазии и реальности, технологии и природы. В проектах CrocodilePOWER появляется ощущение «дополненной реальности» - художники встраивают свои миры в реальность, которую мы знаем, таким образом, что их существование кажется возможным (и в прошлом, и в настоящем, и в будущем). Художники работают в основном с живописью и скульптурой и используют разные смешанные техники. Исследуя последствия технического прогресса, художники выявляют физические и психологические метаморфозы, происходящие с людьми в результате взаимодействия с виртуальной действительностью. Их практика основывается на изучении неосязаемого чувства неясности, потери себя и столкновения с разрушением смысла – на всем том, что так ярко характеризует современного человека в нашу эпоху.

Художники Елена Губанова (род. в 1960, Ульяновск) и Иван Говорков (род. в 1949, Ленинград) работают совместно с 1990 года, реализуя свои творческие задачи в русле абстрактного искусства.

Работы Елены Губановой – динамичный сплав богатых фактур, различных материалов, сложных объёмов и неординарных цветовых решений. Возможности цвета она использует смело и свободно. Это и сложные комбинации насыщенного цветового звучания, и полное «отсутствие» цвета, который заменяют тени и свет.

Иван Говорков – художник ярко выраженного интеллектуального типа, склонный к парадоксам. Он превосходно владеет самыми разными материалами и техническими возможностями. Освоив изобразительные языки классики и современности, он словно играет на границах несовместимого.

 

Алексей Ган (род. в 1982) работает с различными медиа – живопись, графика, скульптура-объект, инсталляция, видео, звук, фотография.

Основная тема работы - человек и пространства, сложность их взаимодействия. Изучение и визуальное представление процедур и методов восприятия, описания, конструирования, осмысления пространств. 

“Мне интересно исследовать новое состояние человека постинтернета. Он постоянно ищет свою индивидуальность, и особую ценность в этом непрерывном процессе представляет именно попытка утверждения себя. Для меня живопись также попытка утверждения, попытка быть искренним, при этом помня о том, что никакого однозначного и предопределенного смысла нет”, -говорит Алексей.


Иван Горшков (род. в 1986, Воронеж) - сегодня один из самых ярких представителей так называемой воронежской волны художников. Его искусство разнопланово — живопись, графика, скульптура, арт-объекты, которые все вместе могут объединяться по желанию автора в тотальные инсталляции, превалируя в том или ином проекте в зависимости от поставленной художественной задачи. Воплощая разнообразные творческие идеи, Горшков придерживается стиля, который он сам обозначает как «полуабстрактный экспрессионизм». Его звучные и эффектные образы балансируют на тонкой грани между фигуративным и беспредметным искусством, становясь героями новых «невероятных реальностей», созданных автором. «Самая пленительная мечта — совершить прорыв в необъяснимое, свести к нулю содержание текста внутри картины, создать силу, не поддающуюся анализу. Создать напряжение, источник которого невозможно распознать», — признается Иван Горшков. В итоге каждый его проект — это новый мир, который он творит, используя материал как некую органическую материю, принимающую самые причудливые формы. Большинству его произведений присуща яркая красочность — насыщенность цветом, превращающая грубые «статуи» из сварного металла в диковинных существ.


В работах Горшкова всегда прослеживается и нетривиальный подход к выбору «участников» его композиций, дополняющих созданные им рукотворные образы, среди них мягкие и пластиковые игрушки, элементы органической природы, как пни, мох, камни, найденные предметы, фотографии — знаменитые фотожабы, превратившиеся в мазки-акценты на поверхности живописных произведений. Их использование становится для художника попыткой поставить маргинальную культуру на службу серьезному искусству. Основной метод работы Горшкова — постоянное переделывание собственных произведений, без страха допустить ошибку: к примеру, картину или рисунок можно в любой момент улучшить, добавив в изображение наклейку из заранее заготовленного набора. Свой творческий процесс он уподобляет процессу природному и включает в него особый «генератор удачных случайностей», помогающий идеально вписать неожиданные предметы или образы в контекст задуманного художественного проекта. 

Творческая пара петербургских художников живет и работает в Торонто. Они относятся к немногим авторам, кому удалось не просто соединить академическую выучку с актуальными темами и сюжетами, а продемонстрировать, что академический живописец способен мыслить как современный художник. Переехав в Канаду и сменив художественную среду, они разорвали связь с отечественной традицией репрезентации, которая в их прежних живописных работах выходила на передний план. Если раньше Грецкий и Кац с отработанным навыком профессиональных живописцев привычно демонстрировали всю палитру своих умений, то в изменившихся условиях пластическая сдержанность пошла на пользу новым сериям работ. 

ЯРМО МЯКИЛЯ (род. в 1952, Rauma, Финляндия) - финский художник и скульптор, живет и работает в Хельсинки. Творческая карьера художника началась в 1970-х годах. На раннем этапе творческого пути в работах художника нашли отражение политические движения и радикальная атмосфера конца 1960-х — начала 1970-х годов: он писал реалистические картины в темных, сумрачных тонах и часто обращался к темам жизни рабочего класса. Позже в его работах нашли отражение сюжеты из истории искусства, эстетика комикса, рок-н-ролльная традиция и образы современного кинематографа. В 80-е он исследовал в своем творчестве поп-культуру и феномен общества потребления. Способность Мякила соединять медийные изображения с мифологическими темами сделала его одним из самых значительных художников финского постмодерна.

На протяжении многих лет Ярмо Мякиля  в своих сцены из жизни мальчиков-подростков, находящихся на пороге взросления. Автобиографичное по сути, его искусство говорит об универсальных вещах – добре и зле, гнетущем одиночестве и воскрешает воспоминания и эмоции, связанные с детством. Последние 40 лет Ярмо Мякила активно работает на международном уровне. Его живописные и скульптурные произведения выставляются в музеях и галереях Финляндии, Америки и Франции, демонстрируются на крупных международных художественных ярмарках. 


БОРИС КАЗАКОВ (род. в 1964) – художник-график (пирографик), режиссер. В 1988–1990 занялся живописью,а в последствии, присоединившись к неформальному ультраавангардному объединению «Параллельное кино», создал свой первый фильм «Птенцы моря» в технике бескамерной анимации (рисуя поверх изображения на кинопленке), традиционной для объединения.  В 1999 году со вторым своим фильмом «Колы» режиссер был приглашен на конкурс Берлинского фестиваля. В 2000 г. фильмы «Птенцы моря» и «Колы» были показаны в программе Роттердамского фестиваля, после чего были приобретены Музеем Кино в Амстердаме.

Бескамерная анимация не является единственным направлением творчества Бориса Казакова: одна из самых известных серий работ «Избушки и врачи» воплощена в графических листах и деревянных объектах. Художник рассказывает историю о вечной борьбе сил познания и новаторства с силами традиции и корневыми связями с первозданной природой. Эти силы персонифицированы в образах врачей и избушек, находящихся в бесконечном взаимодействии, – дерущихся и влюбленных, убегающих и сдающихся. 



КОЗИН ВЛАДИМИР (род. в 1953) – один из самых парадоксальных петербургских художников, иронически переосмысливающий всемирную историю искусств, участник творческого объединения Товарищества «Новые тупые», создатель передвижного «Музея Мышеловки Современного Искусства» и галереи «PARAZIT».

Козин известен тем, что практически запатентовал использование в современном российском искусстве таких материалов, как автомобильная резина и фанера. Бедный бытовой материал, казалось бы, не подходящий для создания традиционно понимаемого высокого искусства – основа его скульптурных композиций, объектов и инсталляций. Художник переводит предметы повседневности из области низкого в сферу высокого, создавая из резины монументы чайнику, коньку, бритве... Такая традиция берет свое начало в редимэйдах Марселя Дюшана, и Козин неоднократно обращается к этому художнику.

ВЛАДИМИР КУСТОВ (род. в 1959, Ленинград) в 1980-х годах стал участником движения «некрореализм», которое тогда основал художник Евгений Юфит. Некрореалистическое искусство — это искусство мертвого (некро) и живого (реализм). Объединившись под флагом этого направления, его участники обозначили территорию своих художественных исследований — пространство пограничных состояний между жизнью и смертью, смещенных действий человека, находящегося или на пороге смерти, или уже в ее объятьях. 

В начале 1990-х Владимир Кустов начинает концептуализировать некрореализм и разрабатывает его теоретическую базу. Художник развивает обозначенные им вопросы некродинамики и некростатики, которые определяют значения его авторских кодов и символов. Сам Кустов говорит о трансформации своего художественного приема как о трансформации развития разрабатываемого им некрометода. На сегодняшний день он — последний продолжатель принципов некрореализма. Владимир Кустов, являясь в первую очередь актором современного искусства, действует по-научному систематически и точно — вектор развития его художественной практики напоминает то, как трансформируется наука с течением времени.

Художник причастен к созданию очень важной для Санкт-Петербурга и развития местного искусства локации. В 1999 году он совместно с Виктором Мазиным основал Музей сновидений Фрейда в здании Восточно-Европейского института психоанализа. 

ГРИГОРИЙ МАЙОФИС (род. в 1970) - российский художник, один из немногих, возрождающих редкую, вышедшую из употребления еще до Второй мировой войны, технологию бромойля — на стыке фотографии и живописи. Бромойли Майофиса порой достигают масштабных размеров, что стало своего рода визитной карточкой автора.

Художник в третьем поколении, Григорий Майофис, как и его отец и дед, учился в Петербургской Академии Художеств. Важное влияние на его интеллектуальное становление оказали идеи психоанализа, деконструктивизма, постструктурализма, которыми «пропиталось» его творчество в период жизни в Калифорнии. 

Его произведения метафоричны и иносказательны. Обладая прекрасным даром «рассказчика», художник всегда предлагает визуально острые, обращённые к сути образы.   

«Григорий Майофис использует форму викторианской постановочной фотографии, чтобы, кутаясь в ее изысканные одежды, представить жесткую критику современного мира», - пишет Венди Вотрис (Wendy Watriss), арт-директор, основатель фестиваля FotoFest в Хьюстоне.


АСЯ МАРАКУЛИНА (р. в 1988, Пермь).

Artist statement

С помощью моей художественной практики я пытаюсь понять и почувствовать некоторые общие закономерности, по которым живет природа и человек, как мы влияем друг на друга, как формируем. Переживая свой личный опыт и одновременно наблюдая за окружающим миром – людьми, природой, городом, нахожу визуальные и поэтические параллели, которые воплощаются в универсальные схемы, лирическую картографию. Меня волнует красота и трагедия жизни, порядок и постоянство её течения, в котором тонет краткость и неповторимость каждого отдельного взятого момента. Работая в жанре пейзажа, пересматривая его традиционные формы я пытаюсь осмыслить мир, в котором нахожусь и частью которого являюсь. Используя разные средства и техники - графику, живопись, видео, анимацию, ткани, создаю ландшафты, пограничные между воображаемым и реальным. 

МОРОЗОВ АЛЕКСАНДР (род. в 1974). Работает в различных жанрах актуального искусства: объект, инсталляция, графика, видео и живопись. Участник арт группы Паразит.

Художник уделяет большое внимание различным художественным высказываниям, изучая их границы и взаимодействие. Проекты Александра Морозова ставят ряд сложных философских вопросов, касающихся расширения модели и функционирования структуры искусства, фиксации переживания и репрезентации среды, физически находящейся вне культурного поля, но внутри поля культурного исследования, а также исследования дихотомии понятий «природа vs культура» вне антропологической парадигмы.

Круг интересов художника — пределы искусства и вопросы формирования культурной памяти. Александра Морозова интересует искусство, переросшее свои формальные границы, сделавшиеся философией, антропологией, социологией и собственно жизнью.


Семен Мотолянец (род. в 1982, Брест, Беларусь) - участник петербургского объединения «Parazit», один из создателей группы «Мыло», лауреат премии «Инновация-2009». Создает живопись, объекты, инсталляции и перформансы. На его полотнах советская символика соединяется с картинами современной повседневности и ироничными текстами, зачастую написанными поверх изображения. Исследует образ простого рабочего, используя знакомую всем символику и юмор.

Помимо романтической постконцептуалистской живописи, художник создает объекты из разных материалов – от гранита до брусков отечественного мыла, живые перформансы, как групповые, так и сольные. Разносторонняя художественная практика Мотолянца заключается в работе с явлениями, которые в его случае не исключают друг друга, а дополняют, – это традиция академической живописи и тенденции актуального искусства. 

«Я бы не отделял фотографию от других видов искусства. Когда произведение искусства чем-то тебя трогает, когда возникает у тебя с произведением искусства контакт, заставляет тебя о чем-то задуматься – это и есть самое важное. Не всегда надо задумываться о чем-то конкретном. Просто, бывает, зазвенит вдруг какой-то колокольчик в подсознании… В этом смысле, я не думаю, что фотография отличается от живописи или архитектуры, от кино, музыки»

Тим Парщиков

Виталий Пушницкий (род. в 1967, Ленинград) - российский художник, работает в разных медиа: живописи, скульптуре, графике, объекте.

Искусствовед Станислав Савицкий пишет: «Ученики Нео Рауха и круг лейпцигских живописцев, работающих с живописью как основной медией современного искусства, - один из контекстов, в котором разворачивается творческая биография Виталия Пушницкого. Полемика с академизмом, как будто бы оставшаяся в далеком студенческом прошлом, тем не менее, не теряет актуальности, будучи перенесена на немецкую почву. Все-таки именно в Лейпцигской Академии Художеств оказалось возможным создать школу современной живописи. Для русской ситуации это событие более чем существенно. Как бы независим ни был российский художник и как бы далеко ни уходил он в своем творчестве от академизма, сам факт существования этой архаичной, но не теряющей влияние институции, многое определяет в нашей художественной жизни. Виталию Пушницкому и здесь удается остаться самим собой, продолжая экспериментировать с традиционными языками изобразительного искусства таким образом, что его работы переосмысляют важные концепты современности. Метамодернизм, о котором сегодня бурно спорят критики и интеллектуалы, открывается нам как художественный опыт, укорененный в традиции и предоставляющий художнику творческую свободу». 


В живописи и графике, созданной на основе медийных образов, Керим Рагимов представляет анонимные групповые портреты. Он скрупулезно воспроизводит ту или иную сцену, обнаруженную им на страницах массовых изданий. 

С 1994 г. художник начинает работать над несколькими сериями, отражающими его интерес к photo-based art: “Человеческий проект”, “Метро”, “Скорая+метро”, “Roadoff”. 

Герои «Человеческого проекта» (программной серии в творчестве автора) связаны определенным эмоциональным состоянием — болью, радостью, гневом, гордостью. Керим Рагимов задает вопрос, что такое гуманизм в эпоху масс-медиа, когда события не существует, оно создается, когда история не обладает априорной достоверностью, она конструируется на наших глазах средствами массовой информации.

В 2007 г. работы из циклов «Метро» и «Человеческий проект» были опубликованы в каталоге Ice Cream by Phaidon. Издание представляет список 100 самых прогрессивных художников современности, выбранных десятью сильнейшими мировыми кураторами.


АНДРЕЙ РУДЬЕВ (род. в 1966, Краснодарский край). Художник рассказывает, что первые его творческие опыты были направлены на правдоподобное изображение предметов, он фанатично был предан реалистичной живописи, но с овладением мастерством это увлечение прошло и взгляды изменились. В его личном рейтинге на смену русским академистам пришли классики немецкого искусства XX столетия Йозеф Бойс и Ансельм Кифер, современники Джонатан Мезе и Даниэль Рихтер.

Современный художник, переживший в своем сознании, а часто и в собственных произведениях, минувшие этапы развития живописи, уже не сможет писать подобно мастерам Возрождения. «Сегодня художнику необходимо тренировать свою голову, сейчас искусство происходит в мозгах» - говорит Рудьев. И эти слова могут стать емким комментарием к его работам.

Надя Зубарева (род. в 1968, Тюмень) – художница, которая развивает скульптурную технику вязания из грубой стальной проволоки. В родном городе Надя закончила училище искусств, а с 1989 по 1995 гг. – училась в Санкт-Петербургской Государственной Художественно - Промышленной Академии им. А.Л. Штиглица. Живет и работает в Финляндии.

 

Кружевные фигуры, которые создает Надя Зубарева, соединяют в себе хрупкость женского драгоценного рукоделия и универсальность минималистической пластики. Если вглядеться, можно понять, что вся художественная практика Зубаревой строится на откровенных противоречиях: брутальность материала и эфемерность композиции, уязвимость конструкций для внешних воздействий и явное их тяготение к монументальности, подчеркнутая фигуративность и резкая абстрактность. Скульптуры создают иллюзию ненадежности, как тающий лед, и при этом основательны в своем металлическом каркасе. В центре интересов художника – образ человека как некой специальной особи, либо попавшей сюда «ниоткуда», либо ушедшей в никуда и оставившей здесь о себе воспоминания. Персонажи скульптур напоминают чудесные создания, в детском воображении населяющие лес и природный ландшафт. По словам художницы, прозрачная кожа «подруг», которых она ваяет, всегда напоминает ей призрачный дневной свет северного леса, где под ветром гудят качаясь сосны, кедры и ели.

 

Мария Кошенкова (род. в 1981, Санкт-Петербург) художник и скульптор, известная созданием произведений из стекла. Работает в России и Дании.

По мнению Марии, стекло - идеальный материал для создания сложносочиненных объектов и для исследования хрупкого баланса, находящегося на границе красоты и брутальности.

Обычно Мария создает серию скульптур в рамках одной концепции. Сначала рождается идея, а уже потом под нее подбираются материалы, поэтому они так разнообразны: стекло, воск, бумага, «найденные объекты».

«В своих работах я стремлюсь объединить основные необработанные условия человеческого бытия, которые установил во мне мой русский опыт, с моей приобретенной скандинавской эстетикой». 


ЛЕРА НИБИРУ (род. 1981, Ленинград). Занимается живописью, графикой, видео, автор объектов, инсталляций. С 2009 года Лера берет псевдоним Нибиру и сосредотачивается на графике и объектах в смешанной технике. Следуя традиции Московской концептуальной школы, она создает тотальные инсталляции, включающие разнофактурные объекты и персонажей и монументальные росписи, а также деликатные работы на бумаге и графические альбомы. В произведениях Леры Нибиру прослеживается развитие концепции психоделического реализма П. Пепперштейна. Ее работы напоминают детские сны, в то же время воспроизводя образы из глубоких чувственных переживаний. Ее интересует феномен границы, перехода и экстатических состояний, космогонические теории. 

Параллельно выставочной деятельности, Лера работает над авторскими анимационными и документальными фильмами, музыкальными видео.

Иван Карпов (р. 1986 г.) Получил школьное образование с физико-биологическим уклоном и высшее техническое образование (СПб ГУТ им. проф. М.А. Бонч-Бруевича; инженер-радиотехник). 


Занимается прогрессивным растениеводством, производством микрозелени, моделированием установок для растений. Начав изучение жизни растений с научной точки зрения, плавно пришел к созданию инсталляций, уже не вписывающихся в рамки технических экспозиций. Гидропонные установки превратились в медиумы художественной среды.

На сегодняшний день PARAZIT – одна из самых ярких творческих инициатив в Петербурге. Это своего рода творческая лаборатория, где происходит взаимовыгодный обмен мастерством и опытом с неуемной молодой энергией. При неизменном основном составе группы, каждый год через нее проходит большое число молодых дарований, самые яркие и талантливые остаются в объединении.


В Санкт-Петербурге вот уже одиннадцать лет непрерывно функционирует необычная галерея, не имеющая ни официального юридического адреса, ни сотрудников и кураторов, ни жесткой художественной политики. Это – галерея «Паразит», созданная с задачей паразитирования «на теле» различных культурных институций города.

Впервые идея художественного паразитирования была воплощена в жизнь в 2000 году участниками группы «Товарищество Новые Тупые» Вадимом Флягиным и Владимиром Козиным. История сегодняшнего «Паразита» началась, когда эта идея была реанимирована в 2004 году художниками Владимиром Козиным, Юрием Никифоровым и Игорем Межерицким, лидерами трех известных, но уже не существовавших на тот момент художественных групп.

Следует заметить, что группа художников галереи «Паразит» состоит из абсолютно разных по направленности и технике работы художников. Важным моментом является отсутствие фигуры куратора или какого-либо другого администратора – все вопросы решались исключительно путем коллективного совещания художников. Состав художников галереи время от времени претерпевает изменения, кто-то покидал ее ряды, а кто-то присоединялся. Сформировалась своеобразная «молодежная секция» галереи. Показательно, что возрастная разница между самым младшим и самым старшим членом группы «Паразита» составляет 40 лет. Подобный демократизм – редкое явление в художественной среде Петербурга, где поколения художников нередко «замыкаются» на себе.